Crítica sobre expresiones visuales de los siglos XX y XXI.
El fotograbado es un trabajo de conocimiento, paciencia y destreza, en el que no necesariamente se tiene control absoluto del resultado, pero en el que se asegura una experiencia estética única, en tanto cada superficie grabada reacciona de forma diferente a la acción de agentes externos.
Claudia Ariza Zuluaga
El convulso escenario mundial de las últimas semanas ha orillado a miles de personas a detener sus actividades diarias, obligando a familias enteras a permanecer en casa. Sin embargo, y sin dejar de lado el ambiente trágico de enfermedad e inestabilidad económica que impera, existe un ámbito que, en medio del caos, parece verse favorecido. Se trata del acceso abierto al arte y de su inclusión en nuestras vidas desde lo que podríamos considerar una dinámica más flexible y heterodoxa.
Los interiores y exteriores del Centro Histórico de la Ciudad de México, a lo largo del tiempo, han fungido como testigos y contenedores de múltiples experiencias sensibles, que, en su conjunto, han devenido en los cambios sociales que marcan el curso de nuestra historia y de nuestro presente. Desde la extensa plancha del Zócalo (testigo de un sin fin de gritos de protesta, llantos y risas) hasta todo tipo de edificios civiles, estos espacios advierten memorias pasadas, sucesos presentes y posibilidades futuras. También los templos, muchos de los cuales actualmente han quedado reducidos a pilas de piedras o han cobrado nuevas funciones fuera del ámbito de lo sagrado, son espacios dentro de los que se han llevado a cabo ejercicios y prácticas sensibles que pueden aportarnos mucho en la búsqueda de leer la actualidad. Un ejemplo de estos últimos espacios, es el Antiguo Templo de Santa Teresa, que en el siglo XVII perteneció al conjunto conventual de la Orden de las Carmelitas Descalzas en la Ciudad de México y hoy actúa como museo y laboratorio de arte contemporáneo, bajo el nombre de Ex Teresa Arte Actual.
En 2013, algunas calles de la capital mexicana fueron portadoras de un mensaje escalofriante. Con la tipografía y el diseño propio del gobierno federal, se leía: “Tu país está en guerra con sus mujeres”. Las calcomanías, realizadas por la artista y activista mexicana Lorena Wolffer, fungieron como un recordatorio de la permisión y colaboración de las autoridades en la permanente situación de violencia que azota al país. Con lo que parecía un cruel y desvergonzado reconocimiento de la irresponsabilidad del gobierno, la leyenda de Wolffer materializó un malestar generalizado: la legitimación misma del feminicidio por parte del Estado mexicano.
Ese mismo año, se publicó por segunda ocasión el artículo en el que la antropóloga Rita Segato trazó la que hasta ahora se erige como la hipótesis más viable para la surreal escena de violencia que se vive en Ciudad Juárez desde finales del siglo pasado. Este texto nace precisamente de las reflexiones que despertó en mí la lectura de “La escritura en el cuerpo de las mujeres asesinadas en Ciudad Juárez: territorio, soberanía y crímenes de segundo estado”, así como de los diálogos entre la obra de Wolffer y el análisis crítico de Segato.
Amar es enriquecer nuestra existencia, es una actitud capaz de dotar a este mundo de un sentido, de un propósito capaz de transformar la sociedad, es el motor que nos empuja para ser mejores.
Erich Fromm
Esta serie de dibujos y pinturas toma al beso como tema central, el cual es una manera de comunicación universal capaz de captar la emoción y el motor que nos anima y nos eriza la piel. Así, el sentimiento nos permite conocer aún más la existencia humana.
Amar es enriquecer nuestra existencia, es una actitud capaz de dotar a este mundo de un sentido, de un propósito capaz de transformar la sociedad, es el motor que nos empuja para ser mejores.
Erich Fromm
Esta serie de dibujos y pinturas toma al beso como tema central, el cual es una manera de comunicación universal capaz de captar la emoción y el motor que nos anima y nos eriza la piel. Así, el sentimiento nos permite conocer aún más la existencia humana.
Cuando pedimos lo imposible sacrificamos provisionalmente lo factible para hallar en la utopía y en la incertidumbre una nueva forma de pensar y vivir la realidad.
Pierre Valls (Director de la 2da Bienal de Artes y Diseño UNAM 2020)
El término “bienal”, que significa literalmente “dos años”, es utilizado comúnmente en el mundo del arte para referirse a grandes eventos internacionales en los que se muestran las más avanzadas e innovadoras producciones artísticas contemporáneas. Sobra decir, entonces, que estos eventos suelen estar permeados por una serie de intereses tanto económicos como políticos, así como de todo un complejo entramado de relaciones de poder que dirigen los discursos entorno al arte en la actualidad. Por otro lado, cada vez con mayor proliferación, esferas culturales alternas se han apropiado del concepto “bienal”, con la intención de visibilizar otras producciones que han sido prácticamente ajenas al circuito hegemónico del arte. Estas «otras bienales» aparecen como espacios de interrogación crítica del sistema cultural actual y exploran las potencialidades y posibilidades que estos encuentros pueden generar en los contextos específicos en los que se realizan.
El pasado 15 de febrero, se presentó formalmente en el Museo Nacional de Arte (MUNAL) El buscador impenitente, el último libro de Leonel Maciel, pintor originario de la costa grande de Guerrero. El libro destaca por la misma razón que el pintor: por la variedad y el colorido de su obra.
El desnudo femenino ha sido una constante en la historia del arte occidental. A través de esta tradición, mayormente pictórica, el cuerpo de la mujer se ha reafirmado como un objeto de belleza y de contemplación para un espectador que, idealmente, siempre es varón. Este hecho, reforzado por la preeminencia masculina en el campo de las artes —es decir, por su agencia como creadores mismos de la representación—, ha generado una mirada unilateral sobre lo que ser mujer, y mostrarse como tal, significa.
Cuando se habla del trabajo de la artista y antropóloga Fiamma Montezemolo (Italia, 1971), constantemente se repara en su carácter interseccional y en cómo éste se manifiesta en la idea de lo fronterizo. Desde la clara frontera que implica la confluencia entre la investigación antropológica y la artística, pasando por el trabajo de campo que Fiamma ha realizado en fronteras geopolíticas —principalmente la que separa al norte de México con Estados Unidos—, hasta las fronteras invisibles que componen nuestras identidades y relaciones con los otros: todo alrededor del trabajo de Montezemolo puede comprenderse a partir de enfatizar en un límite que divide dos cosas. Sin embargo, después de experimentar su primera muestra en la Ciudad de México, Soñar con bisontes (Laboratorio Arte Alameda), más que la idea de una frontera, en mi mente se quedó grabada la forma de un espiral.
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GRACIAS
